Los artistas del pop art más importantes y las obras que lo definieron 🥫 Arte pop

El pop art tiene fama de superficial. Latas de sopa, viñetas de cómic, estrellas de cine repetidas hasta el aburrimiento. Pero cuanto más miras, más entiendes que era justo lo contrario: un movimiento que comprendió, antes que nadie, en qué clase de mundo íbamos a vivir.

No pintaban la realidad. Pintaban las imágenes que ya la habían sustituido. Esto es lo que necesitas saber para empezar a conocerlos.

Estrella amarilla tipo cómic con POP! en negro y azul sobre fondo beige con lunares rosas; estilo retro y llamativo.

Arte pop o movimiento pop art

El contexto: el pop art nació a mediados de los años cincuenta en Londres y estalló a principios de los sesenta en Nueva York. Fue, sobre todo, una reacción. Mientras el expresionismo abstracto pintaba el alma del artista a brochazos, una generación más joven decidió mirar hacia fuera: a los anuncios, a los cómics, a las latas del supermercado, a las portadas de las revistas. Al crítico británico Lawrence Alloway se le atribuye haber puesto nombre al fenómeno. En Londres, un grupo de artistas, arquitectos y críticos reunidos en el Independent Group del ICA discutía ya el poder de la cultura de masas cuando en Estados Unidos casi nadie lo tomaba en serio. Richard Hamilton llegó a redactar una lista de lo que el arte pop debía ser: popular, transitorio, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, comercial. Una definición que sonaba a eslogan publicitario porque de eso trataba. En Nueva York, dos pintores habían hecho de puente desde el expresionismo abstracto hacia el nuevo movimiento artístico: Robert Rauschenberg, que pegaba objetos reales sobre el lienzo, y Jasper Johns, que pintaba banderas y dianas hasta volverlas extrañas.

Aunque cada artista fue por su lado, el pop art comparte unas características reconocibles: colores planos y saturados, contornos limpios, repetición e ironía, y sobre todo un repertorio de imágenes sacadas de la cultura popular y de los objetos cotidianos —la lata, el cómic, la estrella de cine, el anuncio—. En lugar de huir de la sociedad de consumo, el pop la convirtió en tema: el producto de consumo dejó de ser el fondo para pasar a ser el motivo. De ahí que muchas de sus imágenes se hayan vuelto tan icónicas como las marcas que retrataban.

El movimiento no fue un estilo único sino una actitud compartida. Cada artista la llevó a un territorio distinto: la repetición industrial de Warhol, la trama de cómic de Lichtenstein, la escultura blanda y monumental de Oldenburg, la valla publicitaria de Rosenquist. Lo que los unía era la convicción de que la imagen comercial ya no era el enemigo del arte, sino su materia prima. El pop art borró la frontera entre lo culto y lo popular, y al hacerlo anticipó el mundo de marcas, pantallas e imágenes en serie en el que vivimos ahora. Por eso sigue siendo uno de los movimientos más influyentes del siglo XX, y sus artistas, algunos de los nombres más reconocibles de la historia del arte contemporáneo.

Andy Warhol : el que convirtió el supermercado en arte 🥫

Warhol es el artista pop que todo el mundo conoce, y como suele pasar con la fama, esconde más de lo que muestra. Detrás de la peluca plateada y la pose de no estar interesado en nada había una estrategia muy precisa.

Tomó la serigrafía —una técnica industrial— y la usó para fabricar cuadros como quien fabrica latas. Repetía la misma imagen una y otra vez hasta vaciarla de emoción: Marilyn Monroe, la silla eléctrica, el dólar, el bote de sopa Campbell. Eliminó deliberadamente la mano del artista, ese gesto que durante siglos había sido la prueba de que algo era arte. Su estudio se llamaba The Factory, la fábrica, y no era una broma. Lo que pintaba no era el objeto, sino nuestra relación con él: el consumo, la celebridad, la muerte convertida en titular.

Obras imprescindibles: Latas de sopa Campbell's (1962) treinta y dos lienzos, una por cada sabor, colgados en fila como en una estantería. Díptico de Marilyn (1962) cincuenta veces el mismo rostro, la mitad en color, la mitad desvaneciéndose: quizá la imagen más icónica del pop. Cajas de Brillo (1964) réplicas de cajas de estropajos que obligaron al mundo del arte a preguntarse qué separa exactamente una obra de un embalaje.

Roy Lichtenstein : el que pintó la viñeta a gran escala 💥

Si Warhol industrializó la repetición, Lichtenstein industrializó el dibujo. Cogió la viñeta de cómic —el medio más barato y desechable que existía— y la amplió hasta el tamaño de un cuadro de museo.

Su firma es la trama de puntos Ben-Day, esos puntitos que la impresión barata usaba para simular tonos y que él reproducía a mano, uno a uno, con plantilla. El efecto es desconcertante: de lejos parece una página de cómic impresa; de cerca, descubres que alguien ha dedicado semanas a falsificar una técnica mecánica. Pintaba escenas de amor y de guerra sacadas de cómics reales, congeladas en el instante más melodramático, y al sacarlas de contexto las convertía en otra cosa.

Obras imprescindibles: Whaam! (1963) un avión derribando a otro, con la onomatopeya convertida en protagonista. Drowning Girl (1963) una mujer ahogándose que prefiere hundirse antes que pedir ayuda a su amante. M-Maybe (1965) una chica esperando junto a una ventana, atrapada en su propio bocadillo de pensamiento.

Richard Hamilton : el que definió el pop antes que nadie 🏠

Antes de que el pop art tuviera ese nombre en Estados Unidos, ya existía en Londres, y buena parte del mérito es de Hamilton. Es el artista más teórico del movimiento, el considerado padre del pop art británico y, probablemente, el primero de todos.

En 1956 hizo un pequeño collage para la exposición This Is Tomorrow en el que reunió todo lo que vendría después: un musculitos de revista sosteniendo una piruleta gigante con la palabra "POP", una mujer pin-up, un televisor, una aspiradora, el logo de una marca de embutidos en la pared. Era un retrato del hogar moderno hecho enteramente de recortes publicitarios. Ese collage está considerado una de las primeras obras pop de la historia. Hamilton no pintaba el deseo; pintaba la maquinaria que fabrica el deseo.

Obras imprescindibles: Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (1956) el collage fundacional. $he (1958-61) la mujer convertida en electrodoméstico, o al revés. Swingeing London 67 (1968-69) la detención de Mick Jagger por drogas, repintada a partir de una foto de prensa: el pop volviéndose político.

Claes Oldenburg : el que agrandó lo cotidiano hasta el absurdo 🍔

Oldenburg hizo con el volumen lo que los demás hicieron con la imagen: cogió objetos vulgares y los sacó de quicio, literalmente. Una hamburguesa del tamaño de una cama. Un pintalabios montado sobre un tanque. Una pinza de la ropa de diez metros plantada en una plaza.

Su gran hallazgo fueron las esculturas blandas: objetos duros —un váter, un ventilador, un trozo de tarta— fabricados en tela rellena, que se desplomaban sobre sí mismos como si estuvieran derretidos o cansados. El gesto era cómico y melancólico a la vez. Convertía la rigidez del mundo industrial en algo casi humano, algo que se vence. En 1961 abrió The Store, una tienda real donde vendía réplicas de comida y mercancía hechas de escayola pintada: el museo y el comercio fundidos en el mismo gesto.

Obras imprescindibles: The Store (1961) la frontera entre galería y tienda, eliminada. Floor Burger (1962) una hamburguesa gigante de lona rellena. Spoonbridge and Cherry (1985-88, con Coosje van Bruggen) una cuchara monumental con una cereza, en Mineápolis: el pop convertido en paisaje urbano.

James Rosenquist : el que trajo la valla publicitaria al lienzo ✈️

Rosenquist empezó pintando vallas publicitarias de verdad, subido a un andamio sobre Times Square. Cuando trasladó ese oficio al cuadro, trajo consigo la escala y la fragmentación de la publicidad.

Sus obras son enormes y están hechas de fragmentos: un trozo de cara, un coche, un plato de espaguetis, una rueda, todos pintados con la frialdad lisa de un anuncio y montados sin lógica aparente, como cuando pasas demasiado rápido por delante de una autopista llena de carteles. De cerca no entiendes nada; de lejos, tampoco del todo. Esa es exactamente la sensación de vivir rodeado de imágenes que compiten por tu atención.

Obras imprescindibles: F-111 (1964-65) un mural envolvente de veintiséis metros que entrelaza un avión de combate con imágenes de consumo: la guerra y el supermercado en el mismo plano. President Elect (1960-61) el rostro de Kennedy junto a un coche y un trozo de tarta, la política vendida como producto.

Eduardo Paolozzi : el que pronunció la palabra "pop" primero ✂️

Antes que Warhol, antes incluso que el collage de Hamilton, estaba Paolozzi. Escultor y artista escocés, fue uno de los fundadores del Independent Group de Londres y uno de los pioneros absolutos del movimiento.

Ya en 1947 hizo un collage a partir de una portada de revista pulp: un hombre rico, una pin-up, un avión, y una pistola disparando una nube con la palabra "POP". Es, probablemente, una de las primeras apariciones de ese término en una obra de arte. Paolozzi venía del dadaísmo y del surrealismo, y aplicó su lógica del recorte a los materiales más baratos de la cultura americana de posguerra, que en la Europa arruinada de entonces tenían algo de exótico y de promesa.

Obras imprescindibles: I was a Rich Man's Plaything (1947) el collage que contiene la palabra que dio nombre a todo. La serie Bunk! el conjunto de collages donde estuvo gestando, casi una década antes, lo que después llamaríamos pop.

Keith Haring : el que sacó el pop a la calle 🟡

Haring pertenece a la generación siguiente, la de los ochenta, pero es imposible entender el recorrido del pop sin él. Empezó dibujando con tiza en los paneles negros vacíos del metro de Nueva York, gratis, para cualquiera que pasara. Su lenguaje —figuras esquemáticas, bebés radiantes, perros que ladran, líneas que vibran— es tan reconocible como un logotipo, y esa era justamente la idea.

Haring llevó el pop a un terreno que Warhol nunca pisó: el arte callejero y el activismo. Usó su iconografía instantánea para hablar del sida, del racismo, de la energía nuclear, convencido de que el arte debía estar en la calle y no solo en las galerías de arte. Murió en 1990, a los treinta y un años.

Obras imprescindibles: Radiant Baby el bebé que se convirtió en su firma. Crack is Wack (1986) un mural antidroga en un muro de Harlem. Sus dibujos del metro de Nueva York, borrados casi todos, que lo hicieron conocido antes que ninguna galería.

David Hockney : el pop que se quedó mirando el agua 🏊

Hockney es el gran nombre del pop art británico que se negó a quedarse en el pop. Salió de Londres rumbo a California y allí encontró su tema: el sol, las piscinas, la luz plana y feliz de Los Ángeles, pintada con una claridad casi publicitaria pero sin una gota de ironía.

Si el pop americano miraba el supermercado, Hockney miraba el placer: el agua, los cuerpos, la pereza luminosa de una tarde junto a la piscina. Sigue vivo y trabajando, y es uno de los artistas contemporáneos más cotizados del mundo.

Obras imprescindibles: A Bigger Splash (1967) el chapuzón eterno, sin nadie dentro. Mr and Mrs Clark and Percy (1970-71) el doble retrato más célebre del arte británico. Portrait of an Artist

(Pool with Two Figures) (1972).

Infografía pop art con línea del tiempo: 1956 Richard Hamilton, 60s Warhol, 80s Haring y hoy Murakami, fondo de lunares.

Por qué el pop art y los artistas del pop art siguen importando hoy 🎨

Todos estos artistas tienen algo en común que va más allá del estilo: vieron venir el mundo en el que vivimos. Un mundo hecho de imágenes repetidas, de marcas convertidas en identidad, de rostros famosos que valen más que las personas, de pantallas que sustituyen a la experiencia.

Cuando Warhol pintó una lata de sopa o cuando Hamilton recortó un anuncio, no estaban celebrando el consumo ni denunciándolo del todo. Estaban señalándolo. Diciendo: mira, esto es lo que de verdad miramos todo el día. Y esa pregunta —qué pasa cuando la imagen comercial se convierte en nuestro paisaje— sigue sin resolverse. Solo que ahora la llevamos en el bolsillo. Su herencia sigue viva en los artistas contemporáneos que trabajan con la cultura de masas: Takashi Murakami, KAWS o Banksy son, en el fondo, hijos del pop. Es de los pocos movimientos del arte moderno que, en lugar de envejecer, se ha vuelto más literal, y algunas de sus obras más famosas siguen siendo de las imágenes más reproducidas del mundo.

El pop art español: crítica bajo la dictadura 🇪🇸

El pop art no fue solo anglosajón. En la España de los años sesenta, bajo la dictadura, el lenguaje pop sirvió para algo distinto que en Nueva York: no para celebrar el consumo, sino para criticar el poder.

El caso más claro es Equipo Crónica, fundado en Valencia en 1964 por Rafael Solbes y Manolo Valdés. Cogieron la estética limpia y plana del pop y la usaron para reescribir la historia del arte español —Velázquez, Goya, el Guernica de Picasso— y cargarla de comentario político. Bajo la censura, la ironía pop era una forma de decir lo que no podía decirse directamente. Manolo Valdés, uno de los grandes representantes del pop español, acabaría desarrollando después una carrera internacional. A su alrededor se movió toda una escena —Equipo Realidad, Eduardo Arroyo desde el exilio, Luis Gordillo— que demostró que el pop podía ser cualquier cosa menos superficial.

Pop, surrealismo y mi propio trabajo 🎈

A mí el pop me interesa más por dónde acaba que por dónde empieza. Lo que hago se parece más al surrealismo pop: tomo la superficie del pop —el globo de helio metálico, el objeto brillante de fiesta, la cosa fabricada en serie— y la coloco donde no le corresponde, en un hábitat natural, junto a un animal real. Pero ahí termina el parecido. Warhol industrializó el gesto hasta borrar la mano del artista; mi proceso es justo el contrario, acrílico sobre lino pintado a mano, lento y sin atajos. Y donde el pop señalaba el consumo con frialdad, yo uso el globo para incomodar: un animal convertido en globo en mitad de una laguna no es un homenaje al plástico, es una pregunta sobre qué estamos dejando que lo habite. Si te interesa cómo funciona ese cruce entre lo pop y lo onírico, lo desarrollo en mi post sobre qué es el surrealismo pop. Y si vienes del otro gran movimiento del siglo, también escribí sobre los artistas surrealistas más importantes.

Sofía cristina Jiménez pintando un bosque con aves en un caballete, sentada junto a una paleta, en un estudio blanco.

Si quieres ver cómo se traduce todo esto en obra que puedes ver y comprar en Madrid, puedes explorar Naturaleza Plástica y la serie Aire, el Acuario Botánico o las láminas firmadas en edición limitada. Si buscas pieza física, está la obra de gran formato y la obra única en pequeño formato. Y antes de decidir, quizá te sirvan las cinco preguntas que conviene hacerse antes de comprar una obra original o conocer mi trayectoria.

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